Old Tunes, Fiddles & Horns

TRES ASES DESAFORTUNADOS

Indagaremos en la vida de tres talentosos personajes que influyeron en los cimientos de la música popular americana e intercambiaron sus propios conocimientos con los músicos blancos sin recibir el mérito deseado.

ARNOLD SCHULTZ

Nos encontramos con Arnold Shultz, hijo de un ex esclavo, nació en una familia de músicos que siempre estaban gira en el condado de Ohio, Kentucky, en 1886. En 1900, Shultz comenzó a estudiar guitarra con su tío, desarrollando un método jazzístico traducido literalmente como «estilo de pulgar» … ??? … Los blancos de Nashville en la posguerra evolucionaron esta manera de tocar la guitarra al estilo de Kentucky y se etiquetaría años después como «Finger pickin» (vaya … Un estilo completamente Blanco, no….?).

Schultz fue un genio multi instrumental, por sus manos pasaban el violín, el banjo, la mandolina y el piano, así como la guitarra, y fue el encargado de componer el famoso «Cannonball Rag», el bueno de Arnold no perdió el tiempo y la lista por donde toco con bandas de jazz y blues locales es interminable.

Su nombre salió a la luz porque Bill Monroe (autor de Blue moon of Kentucky) afirmó en una de sus entrevistas que su mentor fue Arnold Schultz, nadie como él le inspiró tanto en su principios musicales, aparte fue amigo personal y su mayor influencia para crear sus propias composiciones de Bluegrass. Aparentemente, le dio a Bill la oportunidad de tocar en su primer concierto pagado, y se unió a Schultz en «Hoe Downs» , «Honky Tonks» y Locales donde se organizaban conciertos por todo el territorio de Kentucky. Imaginaros a Arnold Schultz al violín y Bill Monroe en la guitarra en unos muy tempranos años ’30……
Bill aprovechó muy bien toda esa influencia ya que Arnold le introdujo en el Blues, y posteriormente este lo incorporaría a sus famosas interpretaciones…

Ahí amigos !!! El Blues….ese ingrediente clave que se difumina en los campos azulados de hierba de Kentucky….. creando esa maravillosa vertiente musical llamada Blue-grass….

Schultz compaginó la música como pudo, ya que normalmente trabajaba en la red ferroviaria de Kentucky, Mississippi y Nueva Orleans, como carbonero en la locomotora, y ayudando a «Hobos» a viajar por el país clandestinamente….

***Merle Travis, Chet Atkins, Bill Monroe entre otros recogieron las semillas del «Fingerpickin’ de Arnold Schultz.***

La leyenda dice que Shultz murió de whisky «malo» o veneno administrado por músicos blancos celosos, o que sufrió un derrame cerebral mientras esperaba un autobús, el caso es que el 14 de abril de 1931, su corazón le falló y murió cerca de Morgantown, condado de Butler, Kentucky, a la edad de 45 años.

LESLEY RIDDLE

Lesley «Esley» Riddle fue un músico afroamericano cuya influencia en la familia Carter ayudó a dar forma a la música Country. Murió sin haber merecido un reconocimiento por la música Country en vida.
Nació un 13 de junio de 1905 en Burnsville, Carolina del Norte. Antes ser un adolescente, sus padres, Ed y Hattie, se separaron y Hattie se mudó se mudó a Kingsport, Tennessee, llevándose los tres niños en la recién estrenada línea ferroviaria de Burnsville hasta Johnson City, lo que hizo que viajar fuera mucho más fácil, pues un viaje a caballo de tres días se convertían en seis horas de tren. Así pues el pequeño Riddle creció con sus abuelos paternos en una zona no muy lejos de la frontera con Virginia.

Mientras trabajaba de joven en una cementera, tropezó con una barrena. La lesión resultante implicó la amputación de su pierna derecha desde la rodilla. Mientras se recuperaba, Ed Martin, el hermano de su madre tocaba la guitarra y conocía docenas de canciones de blues y gospel, le prestó una guitarra y Riddle invirtió su tiempo de minusvalía en una técnica innovadora de picking y slide. Ed le enseñó a Lesley algunas técnicas de guitarra y le presentó a otros músicos de Kingsport.
Lesley apenas se curó de la amputación de su pierna cuando él y el tío Ed discutían sobre una escopeta. La pistola se disparó mientras la mano derecha de Lesley agarraba el extremo del cañón. Desgraciadamente perdió los dedos medio y anular de su mano. Más tarde, Lesley tuvo que ajustar sus técnicas de selección para usar solo su pulgar, índice y meñique.
Dejando la desafortunada adolescencia atrás , pasó a colaborar en las tabernas con otros músicos de los condados vecinos para subsitir económicamente, Steve Tarter, Harry Gay, Brownie McGhee , John Henry, Blind Lemon Jefferson entre otros fueron su compañeros musicales.

El musico de Blues «John Henry Lyon» tenía la costumbre de reunir en su porche a los músicos que viajaban desde el este de Tennessee y otros que pasaban por la zona en interminables giras. Blind Lemon Jefferson, Sticks y Brownie McGhee, Steve Tartar y otros frecuentaban el porche para reunirse y tocar. Se montaban las mejores juergas de Blues y alcohol de la zona.
Por entonces, aparece en escena «La familia Carter», que acababan de emprender su camino musical en las famosas sesiones de grabación que tuvieron lugar en Bristol en un caluroso agosto de 1927. Un domingo por la mañana a finales de ese año A.P. Carter visitó el porche de «John Henry Lyon» en busca de alguna posible juerga y pescar canciones para la segunda sesión de grabación de la familia Carter con Victor Records. John Henry le pasó una guitarra a Lesley y le dijo que tocara una pieza para el Sr. Carter». Carter se quedó boquiabierto y le ofreció un buen trato.
Aquí comenzó una asociación musical que duró más de cinco años y una amistad que duró medio siglo. A partir de este momento ,la cabaña de la familia Carter , situada en el frondoso bosque de Mace’s Spring sería la segunda casa de Lesley… de camino vivían Maybelle y Ezra Carter ( hermano de A.P. Carter, que mas tarde sería el mánager de la banda)
Lo que los Carters obtuvieron de estas sesiones improvisadas fue el repertorio de canciones de blues y gospel de Lesley; canciones que había aprendido de sus colegas Blind Lemon Jefferson, Brownie McGhee y John Henry, además de las que que había escuchado cantar a su madre y a Ed Martin, o sea puro Blues Rural de los años Diez y Veinte.

La familia Carter se convirtió rápidamente, junto con Jimmie Rodgers, en los dos mejores artistas de grabación de la Compañía Victor y Ralph Peer, ( Victor ) los presionó constantemente para obtener nuevas canciones para las sesiones de grabación.

Ninguno de los Carter era un compositor prolífico, al no tener disponible material para editar A.P. Carter y Lesley se aventuraron en giras locales que a veces duraban tres semanas, en esas aventuras recopilaron bastantes temas que aprendieron en casas de gente que vivía por la zona y en tabernas de pequeños pueblos… A.P. escribía la letra de esas melodías y Lesley tocaría la música y memorizándola para posteriormente ensayar con la familia Carter.
Cuesta imaginar como una pareja compuesta por un negro minúsvalido y un hombre blanco de cuarenta años deambularon por los entornos rurales golpeando las puertas de las cabañas de los residentes en busca de viejas melodías que no habían salido de los Apalaches. O como aparecían por sorpresa en bares de mala muerte dispuestos a tocar por un par de vasos de whiskey y un muslo de pollo recalentado…
Incluso se alojaban con familias antes de que la noche los sorpendiera en medio de la nada, a veces durmiendo en viviendas separadas o en el establo…. A.P. lo tenía más fácil al encontrar alojamiento por el color de su piel. Lesley a veces le tocaba cenar en la cocina.

A.P. y Lesley al regresar a casa ensayarían la recolecta de temas junto con Sara y Maybelle, adaptándo las canciones en algo aceptable para poder grabar en «Victor Company». La familia Carter editó una serie de canciones que Riddle compuso o transmitió, incluyendo «Cannonball Blues», «Hello Stranger», «Let the Church Roll On», «Bear Creek Blues, «» March Winds Goin ‘Blow My Blues Away «y» Lonesome For You «. La técnica de guitarra de Riddle impresionó a Maybelle Carter, aunque ella ya tenía una destreza propia de slide adoptó los viejos estilos de Lesley e incorporó sus habilidades a sus propias temas.
A principios de 1933, Sara y A.P. se separaron, en parte por sus ausencias y su mal genio cuando estaba en casa por una sospechosa amistad demasiado cercana con la prima de A.P., Coy Bates. Sara y sus hijos abandonaron su hogar y se fueron a vivir con una tía a varios kilómetros de distancia.
Los Carter continuaron como un grupo de grabación e interpretación durante varios años más, pero el divorcio efectivamente terminó los viajes de Lesley a Mace’s Springs. Años mas tarde, Jeanette y Gladys, dos de los hijos de A.P. Carter, recordaron en una entrevista que curiosamente Lesley les enseñó a sobrevivir enseñándoles a cocinar .

En 1937, Riddle se casó y en 1942 se mudó a Rochester, Nueva York. Pronto se retiró de la música y, en 1945, vendió su guitarra, permaneciendo en el anónimato durante los siguientes veinte años. Lesley y su mujer visitaron Kingsport y Burnsville con poca frecuencia de 1942 a 1978.
Y aquí entra en escena en 1965, uno de los fundadores del revival del folk, Mike Seeger.
Se retransmitía por TV el «Johnny Cash Show» con Maybelle y sus hijas, «Carter Sisters» esa noche actuó también Mike Seeger y New Lost City Ramblers, que estaban tocando en Los Ángeles. Cuando Maybelle salió del escenario después de su set, Mike le preguntó dónde había aprendido «The Cannonball» y ella respondió – «de nuestro amigo Lesley Riddle, de Kingsport, Tennessee».

El siguiente show fue en Tucson, Arizona y Maybelle compartió el viaje con Mike contándole la historia de Esley Riddle. («Esley» era un nombre que eligió cuando uno de los niños pequeños de Maybelle o Sara no podía pronunciar su nombre. Todos los actuales Carters y muchos de sus familiares, lo llaman por ese nombre, incluso ahora).
Seeger se propuso encontrar esta persona, visitando Kingsport y preguntando a otros músicos que se presentaron en los festivales de folk que estaban surgiendo en todo Estados Unidos y Canadá.
Finalmente, en el Newport Folk Festival, Mike le preguntó a Brownie McGhee, con quien Lesley había tocado la mandolina en un recorrido por los mugrientos campamentos de trabajadores en las minas de carbón de Kentucky cuando eran adolescentes, y Brownie respondió: «Oh sí, Rochester, jaja, el de una pierna y ocho ¡dedos!».
Al final lo encontró y Mike le convenció para que volviera a grabar. Durante los siguientes 13 años, Riddle y Seeger hicieron una serie de grabaciones de estudio. Lesley también acompañó a los Ramblers y Seeger a algunos clubes locales y salas de música.

Riddle también hizo apariciones en el Smithsonian Folk Festival y el Mariposa Folk Festival.
Allie la mujer de lesley murió en 1976 y poco después, Lesley, que había fumado desde una temprana edad, le diagnosticaron cáncer de pulmón. Se retiró a Asheville y vivió allí con su hermano, John Young, finalmente murió el 13 de julio de 1979.

Él, Allie y su madre están enterrados en el cementerio Horton en Burnsville.
Al funeral asistieron algunos hijos de los Carter.

RUFUS «TEE-TOT» PAYNE

Algunos Dicen que Rufus Payne» Tee Tot» tocaba el blues solo, otros afirman que dirigia un pequeño combo y que era un músico callejero, muchas leyendas hay sobre Tee-Tot, aunque es más conocido por ser el mentor de Hank Williams.

Se conocieron cuando Hank tenía ocho años y lo que si es cierto es que le enseñó sus primeros pasos con la guitarra, mostrándole a Hank cómo improvisar acordes y componer temas, el único intercambio fue un plato caliente en la mesa, a pesar de que las malas lenguas dicen que la madre de Hank no cocinaba muy bien…

El hecho de abrir las puertas del Blues y otras influencias afroamericanas ayudó al joven Hank a fusionar con éxito las raíces del hillbilly, folk y blues en su propio estilo , que a su vez popularizó y cambió el curso de la música Country.

Raíces Afroamericanas de Country en los Apalaches 1926~’29

AFROAMERICANOS EN LOS APALACHES

Al nombrar los Montes Apalaches inevitablemente los relacionamos con el Bluegrass y la familia Carter, es decir musicos blancos de Country.

Esto no es del todo cierto, pues la población afroamericana de esta región no ha recibido el merecido reconocimiento que se le debe por parte de la cultura americana del Country, ….simplemente han pasado desapercibidos. Echemos una ojeada a la región, pues musicalmente cuesta entender porque su historia no ha sido documentada como es debido.

Demográficamente, Los primeros habitantes fueron los Irlandeses, escoceses y alemanes, granjeros que cultivaron la tierra y se abrieron camino en un nuevo mundo, mas tarde, después de la Guerra Civil llegaron los primeros esclavos libres escapando del profundo sur y veteranos afroamericanos que lucharon y decidieron vivir en este frondoso territorio.

El Blues se integró en las colinas escapando de la segregación mucho después de haberse atrincherado en el Delta.Los nuevos emigrantes fueron los artífices de la expansión de las carreteras en esta zona y de los nuevos ejes ferroviarios que comunicarían el sur con el Norte , ayudando a abrir los Apalaches a influencias culturales más amplias. La mayoría subsistieron con un trabajo mugriento en las minas de carbón de Kentucky y West Virginia.

Los blancos que ya vivían en las montañas tranquilamente vieron como evolucionó su sistema de vida agrícola y forestal.

Esta ola migratoria hizo crecer una zona que estaba muy anclada en un pasado rico en tradiciones.

Entre los trabajadores había todo tipo de músicos, profesionales e itinerantes, los cuales aportaron nuevas técnicas y sirvieron como modelos musicales para la nueva hornada.

Gracias a la activa permanencia de la comunidad afroamericana , el sonido del banjo afroamericano se fusionó con el Violín de la vieja Europa. El Blues se estableció como la principal base musical de cualquier composición…reescribiendo y adaptando a su nuevo entorno los sonidos tradicionales blancos irlandeses , británicos, Valses, Polkas,……..

Sin duda alguna, el impacto del Blues en la región dejó una huella significativa.
Por desgracia, pocos de esos artistas tuvieron la oportunidad de grabar, y han permaneciendo indocumentados, excepto en la memoria de los músicos que han sido entrevistados, o en escasas fotografías….

La presencia del Blues y su comunidad era absoluta, los centros urbanos atrajeron a importantes poblaciones negras, invadiendo ciudades como Birmingham, Alabama, Spartanburg, Greenville, Chattanooga, Knoxville y Kingsport… Aunque la evidencia discográfica parece indicar lo contrario

La guitarra llegó a los Apalaches relativamente tarde, a través de catálogos de ventas por correo, rápidamente se convirtió en el piano del pobre, la armónica al ser un instrumento práctico y asequible se convirtió en el perfecto acompañamiento junto al ya establecido violín.

Los músicos han definido el blues de los Apalaches como mas ligero y melódico distanciándose así del blues del Delta que aporreaba las cuerdas con mas intensidad y dureza.
También los discos llegaban por correo a través del ferrocarril, y mas tarde fueron los vendedores ambulantes y los comerciales de las discográficas los que los distribuyeron. Los Precios íban de 75 centavos a 1,25 dólares , una cantidad significativa para la época. Por unos cinco dólares podías adquirir una guitarra y empezar a tocar.

Esta cordillera fue también un territorio de paso hacia el Norte donde se cruzaron músicos que tocaban en las calles, o quizás en alguna taberna por un puñado de monedas o un plato caliente. Entre los artistas compartieron estilos e influencias, se fusionaban ideas y luego cada músico seguía su camino.

La música aquí era un medio donde los negros y los blancos parecían encontrarse en un terreno muy agradable, un terreno común. Esa riqueza cultural compartida entre ambas comunidades hizo que la música no evolucionara tan rápido como en otros territorios, donde rápidamente los sellos discográficos segregaron el Blues del Country.

A principios de los ’30 los musicos afroamericanos encuentran un relevo para el banjo, El conocido «Dobro» y mas tarde la guitarra (cuando evoluciona electrificándose) proporciona a los Bluesman ese nuevo sonido, abandonando en consecuencia el banjo .

La transición de la música de violín y banjo interpretada a través del nuevo instrumento: la guitarra, ocurrió mas lentamente que en otro ámbito urbano del país.

El banjo siguió siendo un instrumento tradicional afroamericano mucho después de la llegada del Blues, se cambiaron las cuerdas por las de acero, creando las técnicas nuevas de afinación que influyeron en la forma en que los músicos aprendieron a tocar la guitarra. Se puede afirmar que el Banjo desaparece de la cultura afroamericana cuando la combinación BANJO- MANDOLINA aportada por músicos blancos irrumpe en Nashville popularizando un nuevo sonido …el BLUEGRASS

Volviendo a los años ’20…Negros y blancos aprendieron de los mismos registros fonográficos y participaron en eventos musicales integrados…..es decir audiencias mixtas o blancas. Todas estas condiciones sentaron las bases para una tradición en blanco y negro más homogénea e integrada. Esto no quiere decir que el blues de los Apalaches esté corrompido por los valores de la canción popular blanca de Country con sus raíces Europeas o que sea menos «africano» que otros estilos de blues. Simplemente significa que entre las diversas formas de blues de los Apalaches encontramos una variedad de mezclas. El Blues en los Apalaches es el resultado de fusionar los valores musicales africanos y europeos , así lo pusieron de manifiesto los propios músicos a través de sus composiciones.

Hubo un momento mágico en esos años veinte tal como cuentan algunos músicos y gente de los Apalaches:
«- La gente pedía por correo discos de Hillbilly y sonaban a Blues y viceversa.. Escuchar a «Blind Blake» o al «tío uncle Dave Macon» te llevaba al mismo sitio… todo sonaba de la misma manera….en los discos no habían fotos para relacionar al artista con su color de piel, crecimos con esa música hasta ver años mas tarde a esos artistas y darnos cuenta de que estabamos equivocados racialmente, una de las sorpresas fue con Frank Hutchison…sonaba Blues y era blanco……-«

Si nos adentramos en esos profundos valles percibimos de inmediato que fueron una de las principales incubadoras de la música afroamericana, especialmente en la base del Blues. El blues de los Apalaches se abre como un abanico de varios estilos: blues de vodevil, blues de piano y boogie, blues de baile, blues a dúo con guitarra y armónica, el fabuloso blues de ragtime ( que se merece un post….) Rhythm & Blues del Este, y los oscuros estilos de Blues Piedmont ( se van abriendo más posibilidades para otro futuro post de éste estilo…. o quizás de cada uno de los citados…).
Además, incluye artistas tan famosos como Bessie Smith (la Reina del blues ), Dinah Washington (la Emperatriz del blues) , James Brown (el Padrino),Josh White, Cow Cow Davenport, Pinetop Smith, el reverendo Gary Davis, Jaybird Coleman, Luke Jordan, …. no acabaríamos nunca…. ¿Cómo es posible que con tantas leyendas del blues se hayan ignorado los orígenes de esta región?

Parte de la respuesta radica en el gran tamaño de la región. La cadena montañosa de los Apalaches atraviesa diagonalmente el este de los Estados Unidos desde Nueva York hasta Mississippi, con condados de los Apalaches en trece estados. Otro factor es el demográfico, realmente no hubo una población negra suficiente en las montañas para mantener una tradición de Blues, si lo comparamos con Mississippi.
Aparte de asociar la región casi exclusivamente con la industria de la música country, que históricamente excluyó la participación musical negra. En los primeros días del Bluegrass los blancos declararon que el banjo era un instrumento blanco y americano, renegando de su orígen…..menuda barbaridad……..conociendo perfectamente que sus orígenes son Africanos.

Hoy en día , gracias a los etnomusicólogos e historiadores de varias Universidades , se imparten conferencias, ensayos y asignaturas de tema social, pues forman parte de una oscura historia de Estados Unidos. Muchos son los libros editados sobre este tema, social, cultural, musical demostrando la riqueza que aportaron ambas comunidades.

BAILES

El cruce de las dos culturas musicales produjo el «Hoedown» , el típico baile que evoluciona y se convierte en el clásico de country «Barn Dance». si si.. ese que bailan y popularizan los blancos en el «Grand Ole Opry» ….Las melodías de ragtime ,gospel y muchas otras técnicas vocales e instrumentales, se absorbieron fácilmente en el repertorio «blanco».

De las danzas tradicionales con zuecos que importaron los Europeos fusionadas con las tribales africanas y las de los Indios americanos se origina un baile que encontramos en los Apalaches, es el famoso «Clog Dancing».

Ambas comunidades disfrutaban del baile en sus orígenes fusionando sus tradiciones. Los violinistas blancos y afroamericanos de los Apalaches convivieron durante mucho tiempo manteniendo ambos un profundo respeto y admiración por su música folclórica.

En el próximo post profundizaremos en las bandas de esta zona.

De Ford Bailey y el Grand Ol Op’ry

La música es el único puente donde hay un intercambio cultural entre la comunidad blanca y la afroamericana, socialmente no pudieron interactuar… pero musicalmente las diferentes ideologías conectan… El Blues y El Country blanco, que en sus orígenes no muestran una gran diferencia reflejan esa cultura compartida.

Pocas personas que escuchaban la radio los sábados por la noche en las décadas de 1920 y 1930 se percataron de que aquel armonicista del que rendimos homenaje en este post era de color, es más, si lo hubieran sabido a muchos no les habría importado.
Esas antiguas melodías que circulaban por la América profunda aún no se habían segregado por completo en los discos y menos a través de las ondas, pues la radio no transmitía ningún color. De hecho, la segregación musical se cimentó con la terrible depresión…..entrada ya la década de 1930.

Deford Bailey nació en una zona rural de Bellwood, en el centro de Tennesse en 1899. Con la particularidad de ser el primer músico afroamericano de country y blues que aturdió las ondas de la WSM. Superando una poliomielitis en su infancia, tuvo que acarrear el resto de su vida con una espalda deformada y una ausencia de crecimiento. Su madre marchó de este mundo cuando era un bebé, así pues al bueno de Bailey lo cuidaron sus tíos.
Afligido por una parálisis infantil a la edad de tres años, el niño postrado en la cama recibió una armónica como medio de diversión. Las horas empleadas fueron recompensadas con un talento musical ganándose una reputación músical sin precedentes.

Desde una temprana edad, el ensordecedor ruido del ferrocarril fue la banda sonora de su vida, inspirándole en muchas de sus canciones. Era famoso por recrear los sonidos de las locomotoras que invadieron su infancia. Disfrutaba con escuchar el estruendo del tren cuando pasaba por debajo de un puente y así amenizó sus viajes de camino a la escuela imitando el ruido con la armónica.

Durante su adolescencia, Bailey trabajó como mozo en el almacén de la estación más cercana, Thompson y tocaba sin parar la armónica para los clientes y viajeros que pasaban por allí. En 1918 en busca de fortuna se fue a Nashville aprendió a tocar el banjo y la guitarra, y quedó segundo en un concurso de armonicistas para una radio local.

A los veintiséis años, por fortuna asistió a una audición que le cambio la vida, Cuentan que subido en una caja de Coca-Cola para alcanzar el micrófono en su debut en la radio, impresionó tanto a George D. Hay (Presentador del WSM) que lanzó el silbato que usaba para clasificar a los nominados al aire al final de su actuación. D Hay usaba el aparatoso silbato de los marineros en los barcos de vapor. Cosas de los años ’20….

DeFord Bailey fue sin duda uno de los artistas más populares del programa desde sus principios. Es parte de la leyenda del Opry y se convirtió en una auténtica estrella de radio. En 1928, dos años después de unirse al espectáculo, hizo el doble de apariciones que cualquier otro artista, en total cuarenta y nueve sábados de cincuenta y dos.

Tenía un don para imitar los sonidos de la vida cotidiana con su instrumento. Por ejemplo, en «Fox Chase» imitaba aullidos de zorros, ladridos de perros y la llamada del cazador a sus sabuesos. En «Pan American Blues» no solo describió el sonido del tren en las vías y el silbido, sino que incluso reprodujo a la perfección el efecto de la aproximación y la salida del tren. Ambas piezas gozaron de mucha popularidad en Nashville y fueron las favoritas de los oyentes durante años, y nadie cuestionó el color de su piel.

Un miércoles por la noche a principios de diciembre de 1927, WSM sintonizaba como de costumbre, con uno de sus segmentos habituales, una retransmisión desde Chicago a través de la NBC de música clásica.
Justo antes de las diez en punto, fuera del estudio estaban algunos de los musicos habituales del espacio semanal de Country llamado «Barn Dance».

D.Hay tenía para esa noche una programación especial, después de la actuación de los músicos de Country que solo duraría media hora pasarían a establecer conexión desde un hotel donde una banda local de baile seguiría el programa.
La orquesta de Chicago finalizó su repertorio con una composición que reproducía el sonido de un tren.

Young DeFord shown holding a photo of the Pan American Express train in one hand, his harmonica in the other. Courtesy of David Morton

Bailey abrió el programa de música country haciendo sonar su armónica con la interpretación de «Pan American Blues»……La diferencia (o similitud) de interpretar los géneros musicales hizo que D.Hay se acercara al micrófono y se dirigiera al público con las siguientes palabras: – «Durante la última hora hemos estado escuchando la música de la «Gran Ópera»-, e improvisadamente exclamó -» A partir de ahora seguiremos con el «GRAN OLE OPRY» La mañana siguiente el diario de la ciudad abría portada con el titular dedicado al «Grand Old Op’ry».
Así pues, UN MUSICO AFRO-AMERICANO fue quien inspiró a su locutor a partir de esa noche para cambiar el nombre del programa más escuchado de música Country (Y Country Blues) en el sur del país.

Las actuaciones de Bailey, Dr Bate’s Possum Hunters, el tío Dave Macon y una docena de otros actos regulares, hicieron que el «Grand Ole Opry» creciera a pasos agigantados. El programa semanal de radio presumió de tener en la parrilla a un buen número de talentos locales.

Durante el apogeo de su popularidad, se le concedió una actuación de 25 minutos semanalmente cada sábado noche.El «Opry» por entonces duraba tres horas.
Bailey se enroló en el autobús que llevaba de gira a estrellas regulares del Opry, como Roy Acuff, el Tío Dave Macon y Bill Monroe. En 1927, Bailey se unió al Black Golden Echo Quartet para hacer sus primeras grabaciones de «Pan American Express» y «Hesitation», pero las grabaciones de Columbia nunca fueron publicadas. En 1928, grabó Ice Water Blues / Davidson County Blues para Victor records durante una sesión en Nashville que se hizo tan popular que el sello Victor la reeditó tres veces.

Durante el apogeo de su popularidad, se le concedió una actuación de 25 minutos en el programa Opry que duraba tres horas, siempre fue bien recibido en los estudios y tuvo la suerte de figurar en cartel de las giras con otras estrellas del Opry, como Roy Acuff, el Tío Dave Macon y Bill Monroe. En 1927, Bailey se unió al Black Golden Echo Quartet para hacer sus primeras grabaciones de «Pan American Express» y «Hesitation», pero las grabaciones de Columbia nunca fueron publicadas. En 1928, grabó Ice Water Blues / Davidson County Blues para Victor records durante una sesión en Nashville que se hizo tan popular que el sello Victor la reeditó tres veces.

Durante la década de 1930, fue bien recibido por el público de música country, aunque la segregación racial le causó diversos problemas en hoteles y restaurantes. Para conseguir una habitación de hotel, en algunas ocasiones se hizo pasar tristemente por el ayudante de los artistas blancos.

La popularidad de Bailey se le acabó en el ’41, Aparentemente, WSM olvidó a Bailey . Los conflictos entre el ASCAP y el BMI no permitieron a muchos musicos interpretar sus canciones si la emisora pertenecía a una diferente Sociedad de Autores , encontrando trabas por todos sitios abandonó los escenarios. (desgraciadamente los afroamericanos fueron los más perjudicados, como siempre).
Así pues pasó el resto de su vida en su salón de limpia-botas en el sur de la ciudad, y renunció a interpretar sus temas para el público. Una terrible injusticia, parece increíble que en pleno siglo XXI tengamos que ver los documentales de Ken Burns (llenos de lagunas y falacias) y no muestren la realidad que la comunidad afroamericana hizo de su contribución al Country.

Durante el Movimiento de los Derechos Civiles de la década de 1960 se recordaría la carrera musical de Bailey. Apareció en un programa de televisión de blues local llamado , «Night Train», y en 1965, actuó en la Universidad de Vanderbilt. Celebró su 75 cumpleaños siendo invitado al nuevo GRAND OLE OPRY, el mega auditorío que relevó al Ryman.

Deford Bailey murió siete años más tarde, y hasta ese momento no se le recordó como hubiera merecido, ya que fue la primera estrella afroamericana del Grand Ole Opry. Una placa en su homenaje y un monumento rindieron talnesperado tributo .

A pesar de ello, la segregación ha dejado huella injustamente en la historia de la música de Nashville.

Este es el primero de los cuatro artistas que influyeron en las bases de la música Country y no triunfaron como se merecieron….

Lesley «Esley» Riddle, Rufus «Tee Tot» Payne y Arnold Shultz…. a continuación……

PIONEROS HILL-BILLIES 1922~1927

Los magnates discogáficos de la gran manzana no confiaban en que el público rural tuviera la intención de gastarse unos centavos en discos de pizarra para escuchar su propia música. Aquí es donde podemos marcar un punto de partida para las primeras sesiones de grabación comercial de música Country , y con la intención de sacaros una sonrisa vamos a indagar sobre cuatro personajes muy importantes para el género.

ECK ROBERTSON & HENRY GILLILAND

Junio de 1922 . Después de actuar en una reunión de Confederados veteranos en su natal Virgina, dos virtuosos violinistas de , Eck Robertson y Henry Gililand embarcaban en un estridente ferrocarril que los llevaría a New York con la esperanza de grabar para Victor Talking Machine. Y lo consiguieron, grabaron diez temas , aunque el debut no fue publicado hasta marzo de 1923, los directivos del puro no confiaban en que esa tradicional música tuviera salida al mercado.
En realidad no tuvieron mucha promoción, a pesar de que el instrumental «Arkansas Traveler» fuera LA PRIMERA CANCIÓN que sonara a través de las ondas, en la WBAP de Fort Worth, TX. , esta vez el repeinado Eck y el canoso Henry no la tocaría en directo, llevaba bajo su brazo un disco de pizarra. «El tío Henry «, así lo llamaban murió un año después en 1924.

FIDDLIN’ JOHN CARSON

Este primer paso en la música Country se eclipsaría con la llegada de JOHN CARSON un auténtico Hillbilly….. originario de las colinas de Fannin en el noroeste de Georgia.
Eclipsado por la adicción al moonshine de fabricación propia, cierto tartamudeo y edentulismo presumía de un viejo violín heredado por su abuelo irlandés ( 200 años según él…) que fue su compañero desde sus primeros pasos.

Migró a Atlanta para afincarse y subsistir entre trabajos como domador, jinete, operario en una fábrica de algodón , pintando edificios…..cualquier empleo era bien recibido por el viejo John. Compuso melodías propias que las combinó con viejas canciones folk y refritos populares que interpretó a cambio de un puñado de monedas en tranvías, concursos de violín ( ganó siete) manifestaciones políticas, y por fin en la radio…donde pudo demostrar ese virtuosismo.
La suerte estaba echada y la mañana de marzo de 1922, La ciudad de Atlanta amaneció como la primera en el sur que se vio envuelta por las ondas radiofónicas. » El periódico «Atlanta Journal» fue el artífice en invertir para que la WSB («Welcome South, Brother»), ubicada en el quinto piso del Hotel Biltmore inaugurara la estación de 100 vatios.

Seis meses más tarde, Carson hizo su primera aparición en la emisora tocando y cantando «The Little Old Log Cabin in the Lane», una vieja melodía de 1871 escrita por Will S. Hays, que expresaba un pasado muy tradicional un tanto dramático…pero cuando Fiddlin ‘John Carson frotó las cuerdas con el arco y cantó esta canción, se convirtió sin lugar a dudas, en un tema country. …. De inmediato los teléfonos de la estación comenzaron a sonar. La gente de Atlanta pedía más, se paralizó la ciudad, todos atentos a la radio escuchando al viejo John.

Casualidades de la vida, por aquí aparece un personaje muy importante en los primeros días del negocio musical del Country, Polk C. Brockman, un empresario que tenía un negocio familiar de mobiliario y fonógrafos en Atlanta y varios almacenes repartidos por todo el sur, lo que le hizo ser el proveedor mas importante de la década para Okeh Records. recordemos que estas tiendas vendían los fonógrafos como mobiliario.
Polk convence a Ralph Peer de New York para grabar al viejo John , y El jueves 14 de junio de 1923, inclinándose cerca de una bocina acústica en medio de un almacén vacío acondicionado como estudio provisional en el centro de Atlanta, el viejo John cantó dos temas «The Little Old Log Cabin in the Lane» y un instrumental llamado «The old hen cackled and the rooster’s going to crow».

El astuto Polk Brockman conocía a la audiencia local y pidió 500 copias de la grabación.

Hubo que esperar un mes para que un ferrocarril cargado con el pedido apareciera por Atlanta . Ese fin de semana había un concurso de violinistas en el conocido local «Elks Club» y todos los asistentes pudieron escuchar al viejo John a través de un gramófono

Mientras tanto , en nueva York Ralp Peer no tenía mucha fe en el viejo John, hasta el punto que no registró en el catálogo las 500 copias que envió, hasta que recibió la llamada de Brockman pidiéndole 10.000 copias más.
-Se estan vendiendo todos los discos, se me escapan de las manos Ralph – le decía Brockman- incluso el viejo John bromea con dejar de hacer Moonshine y dedicarse solo a tocar el violín!
Peer se apresuró en tener las copias y registrarlas. en pocas semanas cientos de copias del –Okeh 4890– inundaron Atlanta y sus alrededores.
Entrado el Otoño Ralph no quiso menospreciar al viejo John y lo invitó a new York para registrar una serie de grabaciones, en total doce temas salieron de la sesión en la gran manzana. Menuda diferencia encontró John en la ciudad de los rascacielos, en cuanto llegó a Atlanta les contó a sus amigos que en la ciudad la gente no daba ni los buenos dias………

Okeh catalogó nuevos registros con la etiqueta «Old Time Tunes», y fue el detonante para que otras compañías discográficas hicieran descubrimientos similares de cantantes.

El usurero de Brockman se apoderaba de los derechos de publicación de los artistas que grababa, a cambio de un miserable trato, muchos venían de las afueras de Atlanta, humildes granjeros blancos y negros que cayeron en las redes de Brockman y sus fechorías. Presionó a los artistas para escribir material propio y cederle derechos de autor. La idea de escribir nuevas canciones que parecieran antiguas y obtener la mayor cantidad de artistas para grabarlas llenaron sus arcas, pero en 1925 fracasó, ya nadie escribía para él, pues no mantuvo una relación amistosa con los musicos. Su nombre lo podéis encontrar en cientos de composiciones porque ese era el trato que mantuvo con los artistas, fue un pionero en robar copyrights.

Columbia Records fichó al duo de violín y guitarra Gid Tanner y Riley Puckett en Georgia. Vocalion Records puso en sus filas al cantante y guitarrista Blind George Reneau, de las colinas de Tennessee. Las discográficas se lanzaban a la caza de algun talento por entonces desconocidos. Muchos hillbillies vieron prensados en diez pulgadas un registro , o quizás solo dos.

VERNON DALHART
Pero fue un cantante sureño que vivía en la ciudad el que hizo que todas esas viejas melodías tuvieran el primer éxito comercial de la música country . Mario Try Slaughter abandonó el secarral de Tejas un verano de 1912 y se plantó en Nueva York para hacer sus pinitos en el mundo de la ópera. Cambiando su nombre a Vernon Dalhart (dos nombres de dos ciudades de Texas), estudió ópera e hizo una humilde carrera como tenor en producciones de teatro y musicales interpretando algunos shows de Minstrel y grabó infinidad discos con nombres diferentes.

Por entonces en 1924 era un cuarentón poco conocido y lejos de ser un fenómeno juvenil en el mercado discográfico, pero observó que había posibilidad de registrar comercialmente alguna de esas «viejas melodías familiares» que venían del sur.
Escarbando en las listas encontró en particular un tema que tenía posibilidades de revitalizar su carrera: «The Wreck on the South-Old Old 97» un relato catastrófico de 1903 del ferrocarril de Danville, Virginia. Después de encontrar la grabación Okeh de Jo Henry Whitter de la vieja canción (que salió al mercado en enero de 1924), Dalhart calcó el tema y se plantó en las oficinas de la compañía Edison para que grabara su versión.

En mayo de 1924, finalmente los convenció y el disco se editó. Al no tener el éxito que él mismo pretendía , Dalhart simplemente llevó su composición a la compañía Victor , superando por primera vez el millón de ventas de una melodía rural. ( con el transcurso de los años se estima que llegó a siete millones). En la cara B se puede escuchar «The Prisoner’s Song» , otro lamento escrito por su primo Guy Massey.

Quien lo diría antes , seis ceros para una melodía campestre …. cuando lo más vendido eran las óperas de Carusso, la primera versión editada del tema al año siguiente volvió a grabarla dejando para el pasado las grabaciones acústicas donde se empleaba la TIPICA CORNETA para amplificar y usando un MICROFONO ELECTRICO, novedades de Victor Company….. la verdad es que el sonido mejora bastante.

En mi opinión Dalhart no sonaba tan rústico como Fiddlin ‘John Carson, transmitía un estilo mucho más relajado . Victor Records rápidamente comenzó a promover la nueva carrera de Dalhart. Moldeando un nuevo éxito basado en una desgracia… Durante dos semanas en febrero de 1925, un joven espeleólogo llamado Floyd Collins quedó atrapado bajo tierra cerca de Mammoth Cave, Kentuckỵ pereciendo pasadas dos semanas. La historia del intrépido aventurero no acabó aquí, ya que despertó una idea para Polk Brockman, el emprendedor comerciante de discos de Atlanta. Por $ 25, encargó una canción country original sobre el tema, y en dos meses hizo que Fiddlin ‘John Carson la grabara (14 de abril de 1925).
De alguna manera, la Compañía Okeh no pudo explotar este disco de Carson, pero el astuto Brockman sí. Vendió la canción al Victor Company, para que la grabara. De esta manera en septiembre de 1925, respaldado por guitarra y el violín, Dalhart grabó la historia de «un muchacho que todos conocemos bien», que «ahora yace durmiendo en una cueva solitaria de piedra arenisca». (menudas fábulas de la América conservadora)
Víctor acertó con otro lanzamiento relacionado con un desastre. «The Wreck of the Shenandoah», en relación con el choque reciente de un dirigible de la Marina de los EE. UU. En pocos meses, el disco se convirtió en el segundo millón de ventas de Dalhart. Impulsado por estos éxitos, Dalhart seguiría siendo el artista más vendido en el nuevo género «antiguo» hasta 1928.

Recopilar la carrera discográfica de Vernon Dalhart es un auténtico rompecabezas…. desde que empezó a grabar en 1918 hasta que triunfó con «The Wreck on the South-Old Old 97» son innumerables los registros, además era un ansioso artista que se llevó las composiciones a otros sellos, por eso se encuentran los temas repetidos además, grabados con nombre diferentes.

HENRY WHITTER

Otro humilde personaje que salió de un aserradero de Virginia y que compró el ticket de tren para ir a la Gran manzana y registrar a finales de 1923 su primer disco. Hasta el ’27 grabó nueve piezas más y colaboró como armonicista en barias bandas, la diabetes se lo llevó a principios de los 40. Vidas de película. Hay infinidad de artistas desde que Eck Robertson debutara grabando su primer discos . Próximamente otro post relacionado con los pioneros hillbillies de los ’20 Nos quedamos en las puertas de 1927.

NASHVILLE Y BULLET RECORDS 1925 -1946

A principios de los años Treinta, se augura una década dura con la Depresión, producir y fabricar discos era muy costoso y la promoción musical fluía a través de canales como la Radio, Jukeboxes y actuaciones en vivo.
Un personaje importante en esos años fue el pionero Louis Buckley que llegó a Nashville en el ’28 e invirtió en el negocio de las maquinitas de Wurlitzer enchufándolas en clubs, salones y Juke Joints de todo el estado . Por poco dinero esas máquinas sonaban sin parar y de esa manera atraían público que disfrutaba insertando monedas a cambio de pasar un buen rato escuchando música. A mediados de la década de los ’30 las conocidas Jukebox encuentran su momento de esplendor y extienden por cualquier rincón del país.
Buckley en sus principios trabajó como locutor de Radio, a la vez anunciaba los discos y los vendía por catálogo.. si.. si.. antes de abrir tienda física ya los vendía de esta manera, tenía sus contactos y sus propios canales de distribución.
Fue un personaje muy querido en la ciudad, trabajó como DJ a la vez que operaba en su tienda repleta de discos de pizarra , ofreciendo novedades a nivel nacional.

Nashville ha sido una ciudad muy importante y activa desde principios de siglo pasado musicalmente hablando, Opera, Jazz, Standares populares y Blues han estado presentes en la cultura del corazón neurálgico de la ciudad . Pero íba muy distanciada de las grandes ciudades en lo que que se refiere al negocio discográfico.

En esta ciudad, el Blues y El Jazz siempre han estado presentes, también han tenido cabida los cuartetos de gospel música popular y folk de los Estados vecinos como Alabama, Kentucky y Virginia, pero sin olvidar que siempre ha habido una fuerte influencia afroamericana al mismo nivel. Todavía es pronto para relacionar el nacimiento del Country y esa base de actividades como punto de partida para Nashville.

Un dato importante a destacar es que Ralph Peer, directivo de «Víctor» se plantó en Nashville para grabar unos setenta cortes y posteriormente editarlos en septiembre de 1928, pues desde ese momento hasta entrada la posguerra, es decir hasta 1946, la actividad en los Estudios de grabación brilla por su ausencia si la comparamos con Atlanta, Chicago o la gran Manzana.

En 1914 se funda el ASCAP, ( el clon de nuestro ASGAE), con la finalidad de cobrar los derechos de la venta de partituras (sheet music) y conciertos en vivo, excluyendo a los compositores de Country y Blues más populares.

Cuando ASCAP amenaza con aumentar sus tarifas en 1939 para los derechos de transmisión, el Lobby de la radio creó una Sociedad rival llamada BMI (Broadway Music Inc).
En sus principios BMI dependía de la afiliación de nuevos compositores o reclutar amistosamente a los antiguos miembros de ASCAP. La música rural como el Blues y Hillbilly encontraron rápidamente el cobijo necasario en la BMI , para ir buscando su difusión poco a poco por todo el país.

Hay que recordar que hasta que se creó BMI, las Emisoras funcionaban con el peaje de ASCAP. Muchas estaciones de Radio se negaron a usar los derechos de autor de ASCAP hasta que se pusieron de acuerdo y se desarrolló una base con un catálogo impresionante de Hillbilly y Blues.

En 1942 Alan Lomax visita Nashville y graba a varios artistas, pero no tiene fondos disponibles para registrar dicha música. Fue un momento difícil para apostar en el negocio de la grabación musical comercial, ya que se arrastraba aún el precio de la depresión, escaseaba el material para fabricar los discos y la 2ª. Guerra mundial estaba a la vuelta de la esquina.

Por entonces solo había un estudio profesional para grabar música en Nashville. Dos años más tarde ,en 1944 Eddie Arnold graba en los estudios del WSM. Este acontecimiento es el que marca el nacimiento de las grabaciones comerciales más populares del género «Country».
En ese mismo año se funda la “American Federation of Musician» y se instala en la ciudad.

Y aqui entramos en juego con Jim Bulleit, que fue el pionero en las la grabaciones comerciales de música Country en Nashville a finales de 1945 con el sello BULLET RECORDS.
Bulleit había llegado recientemente a Nashville desde California, donde había trabajado como locutor, director de contenidos y voz en off en diversas emisoras.
Era un personaje conservador , como la mayoría de su generación, con ciertas preferencias personales por la música popular, pero tardó poco en observar que estaba creciendo una escena en la que cabía la posibilidad de editar y producir localmente musica para pequeños sellos independientes y apostó por Nashville y su artistas locales. Por entonces , si estabas en el MidWest y necesitabas grabar no tenías más opciones que Atlanta Dallas o Chicago.

En 1943 , Jim Bulleit entra a formar parte del equipo del WSM y más tarde lo ficha la agencia «Artist Service Bureau», encargados de los bookings del Grand Ole Opry. Poco tardó el espabilado Jim para organizar su propia agencia al ver el potencial Hillbilly que se estaba sembrando en Nashville y empezó a cruzar apretones de manos contratando a Eddie Arnold, Paul Harvard, Clyde Moody, Curly Williams entre otros pioneros famosos. Es en este momento donde empieza la Expansión y promoción del fenomeno HILLBILLY convirtiendo esa música en «Country Popular».

Jim Bulleit conocería también a un prodigioso artista muy importante, Wally Fowler, que frecuentaba dos bandas a la vez, una de Hillbilly y un cuarteto de Gospel, el cual sería el primer grupo religioso en aparecer en el Opry…..acordaros, de Wally Fowler, más tarde entra en escena….

La ciudad de Nashville en 1945 estaba asentando las bases más importantes destinadas hacia el negocio de la música prensada en vinilo, y Jim tenía bien subrayado en su agenda estos tres detalles:

# Solo había un editor, el carismático Fred Rose
# Los únicos estudios de grabación pertenecían a la emisora de radio WSM.
# La única tienda especializada en discos y que vendía material se llamaba Hermitage, a cargo de un importante personaje,

Aqui entra en juego de nuevo Wally Fowler, pues fue el artífice en convencer a Jim para crear un sello discográfico uniendo fuerzas con la tienda «Hermitage», propiedad del Sr. C.V. Hitchcock, que había sido un agente de Jukeboxes en los años treinta hasta que montó su propia tienda de discos.

En Abril de 1946 Jim Bulleit y El dueño de Hermitage Records, C.V. Hitchcock estrechan manos y crean el primer sello independiente en la ciudad: BULLET RECORDS, como los americanos dicen estaba En el preciso momento y en el sitio adecuado. Esta sello discográfico cambió el curso del mercado de grabación, edición y comercialización musical en Nashville, absorviendo a todos los artistas que localmente trabajaban y poco a poco abrió puertas a muchos que vinieron simplemente a grabar.

«Bullet Records» apostó por los artistas no conocidos que llenaban el «Gran Ole Opry » en el Ryman Auditorium» cada sábado por la noche a partir de Abril de 1946.
Muchos de ellos no tenían ni un contrato discográfico, simplemente tocaban en el circuito rural de los Honky Tonk salas o abriendo las típicas cuñas publicitarias de harinas, o insecticidas para el negocio rural en modestas emisoras del extraradio. Jim acertó… Si eras músico y tocabas en el «OPRY» grababas con Bullet y viceversa….

El intrépido tandem Bulleit – Hitchcok hicieron muy bien su trabajo desde un principio, ya que para crear el sello con opciones de futuro buscaron a un banquero local para asociarse y fundaron «Volunteer Music Co», que actuaría como agente de distribución Nacional y poco a poco se fue expandiendo hacia las grandes urbes como Chicago, New York, Los Ángeles.
Jim Bulleit fue el encargado de diseñar las sesiones de grabación, las canciones se grababan directamente en acetatos de 10″, cabían cuatro canciones en una cara.
El primer artista en debutar para el sello fue el cantante de Country Sheb Wooley, a pesar de ello no fue el primero en ver plasmado su registro discogáfico. La escena Blues y R&B tenía mucho peso local y el caramelo se lo llevó el pianista de color Cecil Gant, De esta manera desmontamos el tópico de que Nashville significa solo Country…..

El catálogo de Bullet Records se lanzó al mercado incluyendo tres estilos:
1.Cecil Gant en la categoría Sepia ( que mal suena..),
2.seguido por Zeb Turner (Hillbilly)
3.y el Dexter Quartet (Gospel -Sacred).

Abrieron la puerta grande de Nashville e hicieron debutar a artistas por entonces no conocidos como Chet Atkins, que debutó tocando el violín para Wally Fowler y sus Georgia Clodhoppers, os acordaís del pesonaje de Wally??

Bullet Records dio el primer paso para que se conociera la riqueza de la escena musical de Nashville en todo el estado, e hizo que poco a poco se registrara música local sin necesidad de salir a grabar a otros estados. Pero no hay que olvidar que el Jazz y el Swing fueron los precursores y estuvieron presentes en Nashville desde principios de siglo con las Big Bands, así como el Blues y posteriormente el R&B local compartieron mercado con los blancos hasta mediados de los Cincuenta, aquí es donde el peso y promoción de la industria Country se adelantó y dió a conocer estratégicamente Nashville como la ciudad COUNTRY por excelencia (otro apunte de segregación …Nos quedamos en las puertas de 1947……

NASHVILLE , BROADWAY AVENUE , JUNIO 1940

PRIMERAS GRABACIONES 1920 – ’25

Desde que se empezaran a registrar los primeros tema del género «Country» a principios de los 20 y hasta las puertas de la Segunda Guerra Mundial, pocas son las grabaciones en comparación con el Jazz, Blues y Swing que fueron registradas, era impensable que un Cowboy cruzara la puerta de un estudio en Manhattan, Chicago o Los Ángeles con un puñado de temas para grabar Hillbilly.

Lejos de los estudios de esas grandes ciudades y todavía por descubrir nuevos mercados y localizaciones donde se llevarían a cabo las grabaciones, los pioneros como Ralph Peer (Okeh, Victor), Art Satherley (Columbia) y Frank Walker (Victor), hicieron muchas de sus mejores grabaciones country a través de lo que se conoció como sesiones de grabación rural o de campo. Se adentraron en la América profunda para plasmar esos sonidos antes de que se ennublecieran con el progreso y la Depresión.

Fue una de las labores más constructivas que podemos agradecer a esos visionarios por dejar registrados muchos temas rurales de bandas de hillbilly, cantantes de blues,cuartetos de gospel, y toda la musica caribeña de Latino América que entró desde Florida hasta New York.

Para muchos el más conocido Alan Lomax fue el pionero en registrar dichas grabaciones en la década de los ’30. Aunque ahora nos centraremos en las primeras grabaciones fuera de los grandes estudios.

Las sesiones consistían en que un equipo de grabación alquilaba la habitación de un hotel, o en algunos casos alguna casa vacía. No era una opción fácil poder acondicionar la sala con cortinas y moquetas aislándola acústicamente.
Se necesitaba mucho espacio porque la maquinaria utilizada, aunque portátil, era bastante voluminosa. Un equipo que consistía en micrófonos conectados a un panel de control que a su vez estaba conectado al plato mientras una aguja de zafiro o diamante cortaba los surcos necesarios en la superficie del vinilo a la misma vez que el intérprete cantaba. Por lo general, la plataforma giratoria era impulsada por un pesado sistema de pesas y poleas muy aparatoso. Funcionó de manera muy similar a un reloj de pared y aseguraba una velocidad constante en caso de un fallo de energía. Los músicos estaban atentos y Siguiendo las instrucciones de la luz verde, que significaba STOP y el rojo significaba RECORD.

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Estas grabaciones se hicieron en discos masters de cera bastante gruesa, para entendernos un poco más, pesadas pizarras más bien conocidas en inglés como los «Shellac».

Más tarde se refrigeraban para que la cera tuviera la consistencia deseada. La cinta magnética no estuvo disponible en el mercado hasta después de la Segunda Guerra Mundial.

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La plataforma de lanzamiento de la industria discográfica para estas grabaciones sin duda fue el importantísimo avance de la Radio, los músicos o Bandas que tenían por fin algún registro en vinilo podían ser escuchados, En Houston se podía disfrutar de una banda de Jazz de Chicago, o en New York apreciar el sonido del violín de una banda de Alabama.
La Radio apareció más tarde en el Sur que en la industrializada zona Norte, la emisión de los programas se dictaba desde las grandes ciudades y bajo esa batuta las emisoras sureñas programaban sus contenidos, lo más frecuente era escuchar Standars Pop, Música clasica, Gospel y algo de Jazz. Los directores de programas de las estaciones sureñas abrieron poco a poco el grifo ofreciendo huecos a artistas locales para sus shows en vivo.

La actuación tenía que ser correcta en todo momento y preconcebida.
El ingeniero de sonido recomendaba al artista que ensayara un poco más antes de otra toma, todas las grabaciones se realizaron «en directo»
Después de la sesión, los discos se empacaban bien para su protección y se enviaban a Nueva York o Chicago para colocarlos en placas y prensarlos en discos de 78 rpm. Para evitar posibles distracciones en las sesiones de grabación, se ocultaban los equipos o simplemente tocaban de cara a la pared, de esta manera los artistas solo podían ver el micrófono.

Desde los primeros dias del nuevo siglo son numerosos los ensayos y pruebas que se hicieron por todo el país en la Radio, con la intención de retransmitir una emisión , Pittsburg fue la ciudad que se dió el pistoletazo de salida en 1920 y revolucionó un nuevo mundo, la siguieron muchas ciudades pero cito aquí las mas influyentes en nuestra musica:

WSB- ATLANTA – MARZO 1922, la primera en en Sur
WBAP- DALLAS ENERO 1923 Con el primer «Barn Dance Show» y «Live Country Broadcast» cada sábado por la noche
– WLS- CHICAGO – 1924 con el «National Barn Dance»
– Finalmente el WSM – NASHVILLE – Con el «Grand Ole Opry»

La imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 20200506_164908.jpg — DESDE 1925 HASTA 1934 EL SHOW DEL «GRAND OLE OPRY» SE RETRASNMITIÓ EN DIRECTO CADA SABADO DESDE EL QUINTO PISO DEL «NATIONAL LIFE BUILDING»

Nos quedamos en las puertas de 1925, en el siguiente post , repasaremos la escena musical en Nashville desde este mismo año y hasta la entrada de su primer sello independiente .

MELODIAS «COUNTRY» ….. 18? – 1923

Después de ríos de tinta, documentales, contraportadas de viejos discos y haber pisado ese llamado «Country » por los más pintorescos sitios donde la etiqueta le viene al pelo vamos a indagar un poco más y saber por qué el término se ajusta como unas viejas ACME BOOTS a ese estilo musical.
La verdad es que acertaron con esta descripción, la etiqueta «Country» es la más adecuada para este tipo de música , simplemente con una palabra engloba el folclore de un País…. le viene como anillo al dedo. Evoca una imagen de la vida lejos del bullicio de la gran ciudad, con ciertas notas de un pasado rural. Es un término rico en significado, y que hasta ahora se ha mantenido en la música desde que en Junio de 1949 los magnates discográficos del guante Blanco en alianza con el «Billboard» etiquetaran el género como «Country & Western «, incluyendo varios estilos blancos, y segregándolo de la población afroamericana.

DISCOS EDITADOS EN LAS LISTAS POPULARES DE LANZAMIENTOS MUSICALES:
HILLBILLY (Folk Blanco)- SEPIA (Público de Color)-SACRED (Musica Gospel)

Sin embargo, antes de que la etiqueta englobara en la revista Billboard las listas de éxitos «Country & Western» , casi nadie llamaba a la música «Country». Tanto los artistas intérpretes como los fans se refirieron a ella como «música popular» o «hillbilly». Antes de eso, tenía varios nombres pintorescos, como «Composiciones tradicionales», «melodías familiares » o «viejas canciones de las colinas», porque incluso en sus orígenes la música sonaba anticuada y tradicional, sin electrificación alguna.
Y como todo lo que nace en América no se escapa de ese carácter capitalista, le toca al turno a la música, y esta se ve envuelta en esa especulación, levantando las cejas de muchos personajes avispados que quieren toman parte del pastel.
La música country y el «Grand Ole Opry», su mayor escaparate, han disfrutado de una historia bastante animada y estrechamente entrelazada, repleta de desgracias y buenos acontecimientos . Como crítica personal suelto lastre y pienso que es una Gran Parroquia de personajes con Stetson, sello de oro y rodeados de esa espesa nube de sus Cohíba, dictando a su parecer los gustos o preferencias musicales del público.
Aunque prefiero centrarme en los verdaderos partícipes del Country, ya que gracias a los músicos le debemos Gran parte del encanto de ese país, pues ellos rinden un respeto permanente por la tradición y su reverencia por la forma de vivir en Estados Unidos.

Una musica Repleta de Blues con esa influencia afroamericana donde convivió sus primeros días a principios de siglo pasado llegando a confundir al público que se preguntaba ( o no…) que color de piel escuchaban a través de la Radio . En todos sus estilos, bluegrass, honky-tonk, western swing, rockabilly, la música country como la conocemos desde su origen sobrevive hoy en día en general lejos de ese enfoque tradicional, ya que si echamos un vistazo a las listas más vendidas actuales o a esos conciertos semanales del Opry Land…..¿es esto Country? Já!…. Si se levantara de la tumba el amigo Cash …

Empezar a hablar de «Country» en la década de los años Veinte es un gran acierto para este estilo músical, por ejemplo, si escuchamos el violín de Eck Robertson en «Sallie Gooden «en 1922 no se parece mucho a Garth Brooks haciendo» Friends in Low Places «en absoluto, pero hay una línea tradicional que los conecta, una conexión imborrable. Desde su origen, la música que ahora llamamos «Country» provino de varias fuentes. Podemos rastrear las raíces más profundas del país y encontraremos aires escoceses, polkas, valses de Europa del Este, y viejas melodías Inglesas de inmigrantes que dominaron la colonización de América del Norte. La música «Country» es el producto directo de la música popular rural más pura, transmitida a través del Atlántico por colonos europeos y custodiada cuidadosamente intacta e inmaculada a través de generaciones en los Apalaches, donde la población nativa, la de color, y los nuevos colonos convivieron conjuntamente

Afroamericanos y blancos convivieron usando los dos instrumentos encargados de amenizar las fiestas campestres en los Apalaches , el violín y el banjo. La mayoría de sureños negros que vinieron del Caribe o habían vivido en La Louisiana, eran libres hasta que fue comprado por los Estados Unidos.

El documento más antiguo conocido sobre el banjo y el violín probablemente lo encontramos con «The Virginia Minstrels» en 1840, aquellos escandalosos circos ambulantes donde se ofrecía un espactáculo de variedades de tipejos con las caras pintadas de negro. Un espectáculo que hoy en día levantaría la ira de la sociedad actual, o simplemente estaría prohibido.

La música «Country» es más como una colcha de Patchwork, En cuanto los colonos pisaron el Nuevo Mundo, comenzaron a alterar las viejas canciones en inglés para adaptarse a su nuevo entorno. Canciones como «Wexford Girl» se convirtió en nuestra «Knoxville Girl», realmente la letra difiere muy poco de la original, pero se adapta a su nuevo entorno, a una nueva sociedad y ambiente.

Los colonos británicos de Estados Unidos entraron en contacto con inmigrantes y música de otros países (España, Francia, Alemania) y absorbieron esas influencias, también comenzaron a componer sus propias canciones para describir sus experiencias en el Nuevo Mundo,

Los violines británicos y el banjo importado a las Américas por los africanos como esclavos, aportaron ese ritmo y composición a esas vidas nómadas. Hasta principios de siglo pasado, la música que se escuchaba en América era, en su mayor parte, música folklórica, interpretada de forma gratuita y estrictamente para diversión personal, reflejando las costumbres y valores de la comunidad. Casi nunca se escribió en las partituras como la vieja Europa preservó a Bach y Beethoven entre otros.

Acompañarse del violín fue un gran acierto, rápidamente este instrumento se convirtió en el favorito de los pioneros de Estados Unidos , era portátil, fácil de afinar y muy versátil, capaz de acompañar fácilmente una buena melodía

Hasta el siglo XX, nadie consideraba esas melodías campestres más valiosas que la música Clásica. Las canciones populares simplemente reflejaban el espíritu de una comunidad, los áridos campos se llenaban de cánticos mientras trabajaban, o quizás un inesperado acontecimiento familiar, como una boda se llenaba de armoníay fiesta con esas viejas melodías.
La música era entonces un pasatiempo preciado para muchos estadounidenses rurales, pero solo se podía compartir a través de las migraciones adaptando cada cual su composición propia. Viejos himnos en inglés difundieron el evangelio, desde artistas itinerantes hasta gente de los pueblos, amigos, vecinos, padres e hijos, fragmentos de aires británicos antiguos, himnos, espirituales de plantaciones y blues, canciones de vodevil y, más tarde, melodías de jazz y ragtime que iban y venían sin parar y viajaban por todo el Estado adaptándose a nuevos tiempos… cambiando las letras según por donde pasaban.

La América Rural desprendía un aroma especial, ese mestizaje de ascendencia mixta europea y africana, e ignorado por completo por intereses adinerados de las grandes Ciudades. Sin embargo, dos desarrollos tecnológicos, que se gestaron desde finales del siglo XIX, transformaron por completo la naturaleza de ese entretenimiento. Eran el fonógrafo y la radio, y en la década de 1920 proporcionaron el catalizador para transformar la música rural en comercial incluyendo todos sus estilos.
Esas viejas sintonías campestres familiares pasaron de ser oídas en directo a prensarse en una circunferencia de pizarra de diez pulgadas . Lo que propició un cambio radical para la vida de ese país. Estados Unidos acababa de salir de la Primera Guerra Mundial y la riqueza de la nación había aumentado enormemente . Ya a partir de 1913 en las ciudades el cambio de movilidad fue impresionante. Eran los mejores tiempos para el progreso, unos nueve millones de automóviles circulaban por las carreteras del país a lo que parecían velocidades vertiginosas de alrededor de veinte millas por hora. Para 1920, más de la mitad de la población nacional de 117 millones vivía en ciudades de 2.500 personas o más.

IMÁGENES QUE SE DIFERENCIAN DE UNA DECADA, LA MOVILIDAD CAMBIÓ UN PAÍS.

Fue tan grande el cambio social que las mujeres inundaron el mercado laboral , y 1920 vio la aprobación de la Decimonovena Enmienda a la Constitución, dándoles finalmente a las mujeres el derecho a votar, algo que tanto les costó ganar. Las chicas jovenes pusieron de moda el cabello corto para demostrar su independencia recién descubierta, mientras que los hombres jóvenes se afeitan para una apariencia limpia y sofisticada, adiós barbas.

Una década temeraria, llena de vicio y alterne, pues se le conoce como «Los Felices Años Veinte», Entonces……¿Por qué no se iba a empezar a comercializar un producto musical?.
Los cines se abarrotaban de público que reía hasta llorar por las tragicómicas travesuras de Charlie Chaplin, y los teatros agotaban sus entradas con todo tipo de espectáculos y variedades.

Desde que en 1906 se estrenara la primera emisión radiofónica con la lectura de la biblia, hasta que se inauguró la primera Estación de Radio en el Sur en Atlanta pasaron dieciséis años, dos años mas tarde en el 1923 le seguiría Dallas, con el primer «Barn Dance Show» en directo y seguidamente en 1925 le tocaba el turno a Nashville con los avispados vendedores de Seguros de la WSM , We Shield Millions, dando paso al show conocido como el «GRAND OLE OPRY»

El Jazz y el Blues prensado en esas pesadas pizarras de diez pulgadas era la locura de los años veinte,retando así a una parte de la América conservadora que se sentía dañada moralmente con esos sonidos y que no estaba dispuesta a participar en ese futuro musical. Ocurrieron anécdotas curiosas, como la de Henry Ford que patrocinó concursos de violín en sus concesionarios de automóviles, con la esperanza de que tal instrumento pionero frenara dicho progreso musical, una insensatez …. pues Henry formaba parte de ese progreso, no hay que olvidar que él mismo fue el impulsor de la producción en cadena. En fin, paradojas de la vida.
Con la aparición del fonógrafo se miró de reojo una posible vuelta de revivir ese pasado,

En 1922 las ventas de Discos alcanzaron los 100 millones de copias, una cifra récord, pues con la bonanza todo iba en aumento , incluso las ventas de aparatos de radio, que habían ascendido a poco más de medio millón de unidades en 1923, superaron los dos millones en 1925.

Es cierto que los robustos armarios donde se podía escuchar los discos estaban destinados al salon de casa y seguían siendo caros, en un principio se vendían como mobiliario por unos 25 $.

Pero las radios de una válvula eran relativamente económicas, se podían adquirir por tan solo 10 $, y los equipos más sencillo de radio costaban tan solo 1$ . En comparación, los discos puestos en el mercado costaban entre 75 ¢ y 1.25 $. Barajando esos precios la Radio como emisora y aparato ganaba la partida para los bolsillos mas estrechos.

Las compañías discográficas buscaron la salida al de mercado de géneros como el Jazz y el Blues. Fue una casualidad que el sello Okeh Records tropezara con la música country . En ese momento, la compañía estaba más interesada en el potencial de ventas de discos para audiencias de color. En 1920, Okeh había vendido un millón de copias de «Crazy Blues» de Bessie Smith.

Y aquí es donde aparecen estos dos personajes que empezarían a dejar huella:

Pol Brockman, de Atlanta, principal distribuidor de muebles Fonógrafo y discos del Sur, de la mayor firma nacional llamada Victor Company, sugiere al cazatalentos de Ralph Peer que le haga una visita . Peer sin dudar un momento después de ojear el éxito de cantantes de Blues y Jazz ,se plantaron con unidad portátil de grabación Atlanta, dispuesto a registrar en junio de 1923 a algún talento negro que pudiera grabarse y que no estuviera explotado.

Peer y Brockman realizaron una serie de grabaciones, treinta en total, grabando principalmente cantantes de Blues y bandas de jazz. Aunque realmente para ellos la sorpresa del viaje fue el músico Fiddlin’ John Carson …. Adentrados en los orígenes del COUNTRY, lo dejamos para otra entrada donde profundizaremos en los personajes que empezaron este género musical …..

PUNTO DE PARTIDA… Cuando el Swing hipnotiza al Western 1927-30

Western Hot Jazz, Country Dance, Hillbilly Boogie, puedes llamarlo como quieras aunque el término mas popular y conocido por el público es «Western Swing».

Antes de que se llamara o etiquetara la música como «Western Swing», los promotores y ejecutivos de las Discográficas no sabían como clasificar esa improvisación musical creada por músicos blancos que adaptaban esas bailables melodías familiares.

Por entonces, las discográficas y emisoras de radio, simplemente llamaban «Hillbilly» a cualquier música blanca interpretada con el violín. Ese no fue el estilo escogido por estas bandas ya que sus propios músicos venían del Jazz, ni siquiera adaptaron esa etiqueta a su repertorio. Vamos a ir al fondo de la cuestión y porque se les atribuyó dicha etiqueta, pues en un principio estaban compuestas por banjo, violín, dobro, mandolina y guitarra, y sucesivamente se incorporó la sección de viento.

Partiendo de sus orígenes a finales de los 1920, los violinistas precursores de ese futuro denominado «Western Swing» empiezan a perder interés en las viejas melodías de esa época.

El Trombón, el clarinete o la trompeta se van haciendo hueco entre las secciones de cuerda, tambien el piano entra en juego , y poco a poco se va cultivando un nuevo género para amenizar al público en unos tiempos que íban encarados a ser difíciles.

Si nos fijamos en los instrumentos nos damos cuenta de que son los mismos que forman parte de una banda de Jazz de principios del siglo pasado….. hemos dicho Jazz? Ah Claro! esa improvisación musical llena de raíces como el Blues, Gospel, Dixie, Ragtime y música Clásica Europea… pues imaginaros que en esa olla donde se cuece el Jazz y el sucesor que le tomó el relevo a principios de los ’30 el «Swing» … Lo aderezamos con el sonido de la melodía Hawaiana del popular instrumento llamado «Lap Steel» , más tarde conocido como «Steel Guitar».

Ya tenemos todos los ingredientes listos para que el público blanco se divierta bailando , el fenómeno «Western Swing» irrumpe en las salas de baile, para divertimiento del público blanco.

Este estilo improvisa muchos estándares y los adapta fácilmente, ya que la mayoría de los intérpretes no tenían la capacidad de leer música, tocaban simplemente de oído, como en el Jazz.

Repasando los orígenes de este fenómeno musical nos lleva a recordar como fluyó socialmente para poder entender mejor su origen y evolución:

Si hay factores importantes que influyeron en la aparición del Western Swing sin lugar a dudas fueron el Boom del Petróleo , las Jukeboxes y la Radio.

PRIMERO:

Gracias al Boom del Petróleo, los pueblos se convirtieron en pequeñas ciudades, se urbanizaron nuevas zonas y las escenas musicales repartidas a lo largo de todo el país se hicieron más accesibles, ya que se asfaltaron muchas carreteras importantes que unían los grandes núcleos. A principios de siglo ya hubo una primera ola migratoria muy importante, posteriormente al principio de la Depresión es cuando se dá lugar a una industrialización sin límites, los llamados aparceros o «sharecroppers» se vieron obligados a abandonar sus terrenos y buscar un sustento de vida a partir de los primeros ’30. Así pues los músicos rurales invadieron estás pequeñas ciudades en busca de fama y fortuna.

SEGUNDO:

Los propietarios de los locales vieron la oportunidad de obtener para las salas de conciertos las conocidas Jukeboxes que florecieron en la década de los ’20 con las millonarias ventas de discos, estas maquinitas eran un aliciente mas y una fuente de ingresos , Debido a la Depresión las ventas de Discos cayeron en picado y no se recuperó la industria hasta mediados de los ’30, favoreciendo al éxito del WS.

Mientras tanto el negocio en el terreno musical se basaba en los ingresos de actuaciones en directo, la venta de partituras, mas conocidas como «Sheet Music», y los ingresos por derechos de Autor.

TERCERO:

La Radio en su primeros dias ofrecía un repertorio con poca variedad y dictado por esa disciplinada América Conservadora. A través de las ondas Hertzianas se podía escuchar música Clásica, Jazz, Popular , Gospel, y algún que otro Blues del lejano Sur.

La Radio sirvió como refugio con el Crack del ’29, y fue la válvula de escape para todo un país que vio como descendían las ventas de discos y se refugió en sus hogares escuchando sus preferencias musicales.

Se puede afirmar que el «Western Swing» nace en Fort Worth, Dallas, y si hubiera una segunda ciudad esa sería Houston, En estas dos ciudades es donde se encuentra el concepto mas puro del género.

Escarbando mas al Sur de Texas podemos encontrar una tercera ciudad donde en sus orígenes también encontramos huellas de este fenónemo musical: San Antonio, aunque esta última recibe influencias de la vieja Europa del Este con instrumentos como el acordeón y alguna fuente de inspiración en Castellano por estar muy cerca de la frontera Mexicana.

Y quizás el primer sitio donde encontramos una expansión después de las citadas ciudades es en el estado de Oklahoma, aquí se siembra una escena muy rica, ya que Bob Wills se asienta en Tulsa en el ’34 y a la vez influenciaría a muchas bandas a seguir su estilo.

En la frontera con Luisiana también se encuentra alguna ramificación con el Blues y el Cajun pero no tanto en sus orígenes sino en su posterior evolución.

El género conocido como «Swing» evoluciona del Jazz original de New Orleans, y de su expansión hacia Kansas, Chicago y New York, con la improvisación que le caracteriza y ese nuevo aire fresco inaugura una nueva década , la de los años Treinta con un nuevo público que ya no quería escuchar las melodías de sus padres, sino una nueva manera de entender la música.

Música creada con espíritu, una manera de adaptar las viejas melodías e interpretar las nuevas composiciones…una innovación rítmica inesperada, armonías para bailar y olvidar un poco los duros tiempos de la depresión. El Western Swing en este caso tambien se vé beneficiado.

En sus principios se experimentó usando ciertos instrumentos rurales, mas tarde estos se convirtieron en urbanos y en su evolución se electrificaron las melodías. Fue una música creativa original, ecléctica, un género que en la década de 1940 se plantó en la Costa Oeste y que se unió a las melodías Cow-boy de Hollywood .

California recibió el Western Swing con locura , como diez años antes los jóvenes hicieron con el Swing. Una música que Migró junto a las multitudes que abandonaron sus hogares en busca de fortuna para escapar de la inaguantable depresión.

Ni era Hillbilly ni el tipo que música que la parroquia de Nashville del WSM quería escuchar, de hecho no es hasta 1949 en que el Billboard acuña el término COUNTRY & WESTERN y se usa como estándar para toda la música blanca, donde se incluyen Folk, Hillbilly, Espiritual y Cowboy Songs.

El Western Swing en sus principios, mantiene una esencia paralela al Jazz , presume de estar marcado por esa improvisación sin límites y fue el encargado de introducir la típica banda de «baile rural» de Texas a las ciudades emergentes del Suroeste.

Olvidaba comentar también que un factor en el desarrollo de este estilo viene marcado por la guitarra española, la cual es introducida por los mexicanos allá por el 1830. Los hawaiianos usaron esa misma guitarra, pero colocaron el instrumento sobre sus rodillas, usando peines de madera o cuchillos para deslizarse a lo largo del traste.

En las zonas rurales de Texas y Mississippi los músicos usaban el mismo método , aunque deslizaban cuellos de botella o dedales de metal. A principios de la década de 1910 los músicos hawaiianos que recorrían América haciendo giras ya llevaban consigo dicho instrumento.

En 1925 John Dopyera patentaba la primera Guitarra «Resonator» , y cuatro años más tarde con sus hermanos fundó la empresa de fabricación de guitarras Do.Bros, de ahí viene el término familiar «Dobro» .

Al ser el sonido familiar entre los músicos de Blues, con las guitarras Dobro, el intrumento hawaiano tardó muy poco en introducirse en el mundo del «Country», digamos más bien «Country Blues».

Un gran encuentro de sonidos e instrumentos desemboca una fusión, la forma como tocaban los músicos Hawaianos y los Bluesmen se acaba uniendo con un agradable sonido.

Ese encuentro Hawaiano y Blues originó la posibilidad de capitalizar un producto y varias empresas se lanzaron a su fabricación. Los primeros experimentos en la amplificación eléctrica datan de principios de los años ’20, pero no es hasta 1931(comercialmente hablando) cuando aparece la primera guitarra eléctrica que es una «Lap Steel» de Rickenbacker, cinco años más tarde Gibson lanza al mercado su primer modelo. Un instrumento básico en el desarrollo del WS, ya que las grandes bandas de «Swing» (Big Bands) no lo usaron al no tener un volumen a la altura de la sección de viento.

El punto de inflexión en el uso del «Lap Steel» lo populariza el legendario Bob Dunn (trombonista y Guitarrista) de los «Milton Brown and His Brownies, es entonces cuando se interpreta el sonido de la sección de viento en la de cuerda a través de la «Lap Steel». Aquí es donde damos en el clavo para materializar el WS! …..Bob Dunn hizo que ese sonido fuera esencial en el «Western Swing». Con «Taking Off «hay un antes y un después en el género musical gracias al «Lap Steel»,

Las melodías hawaianas abrazarían el árido polvo de Texas y se incrustarían en las composiciones vaqueras para siempre.

Aunque fue Leon McAuliffe el artífice que popularizó el instrumento, Recordáis?? «Take it away, Leon «.

En 1935 «Steel Guitar Rag» desencadena una nueva era para el «Western Swing», una música fresca compuesta por vaqueros tejanos influenciada por el espíritu de New Orleans, el Jazz de N.Y de Cab Calloway, y el calor de las bandas de Chicago.

Las contraportadas de los discos me llevan a la búsqueda de sabios escritores, etnomusicólogos e historiadores, de los cuáles cito unos cuantos en estas imágenes… Sin ellos y su excelente aportación bibliográfica no hubiera sido posible recopilar la historia de la música que nos fascina….Desde sus raíces negras hasta la explosión del R&R con el joven blanco de Tupelo. Recomiendo unos cuantos…